Mi última entrada

¡Muy buenas!

Ésta será, como bien dice el título, mi última entrada en este blog. Así pues, intentaré ser conciso y elegir con precisión cada palabra.

Mi primer post data del 30 de octubre de 2008. Es decir: ya hace prácticamente seis años que abrí esta bitácora. Casi nada.

Paralelamente a mi evolución personal, este blog fue cambiando y de la misma manera lo hicieron las reflexiones y palabras que en él fui volcando. Empecé siendo irónico, cáustico y bastante más arrogante que hoy en día, pero el tiempo y las hostias se han encargado de irme poniendo en mi lugar. Así pues, se puede apreciar una enorme diferencia entre las primeras y las últimas entradas: los años no pasan en balde...

A lo largo de este viaje, ha habido un poco de todo: grandes momentos, caídas, errores de los que todavía me arrepiento, otros de los que ya he pasado página... Y, por el camino, he plasmado aquí tanta variedad de contenidos como he podido: noticias, críticas, curiosidades, entrevistas... Siempre intentando ser, ante todo, ser fiel a mí mismo y escribir sin filtro.

Ahora siento que esta etapa ya ha dado de sí todo cuanto podía dar: el formato escrito, sinceramente, se me queda corto y, sin embargo, me roba más tiempo del que dispongo.

Por tanto, considero apropiado dar por concluida mi andadura en este blog personal e imperfecto, al que he alimentado durante tantos años y que ya forma parte inseparable del camino que he recorrido en este tiempo.

Asimismo, dará comienzo una nueva aventura: un videoblog en YouTube que dará comienzo el próximo lunes 1 de septiembre. En él, pretendo compartir reflexiones sobre la realización audiovisual, los contenidos publicitarios, cómo trabajar con actores, trucos para edición de vídeo y audio… En resumen, un vlog sobre audiovisuales que no se limite al mero tutorial, sino que resulte divertido y ameno y contagie mi pasión por este mundillo a todo aquel que lo vea.

Todo se resume en que, sea de la manera que sea, quiero seguir expresándome y compartiendo contenidos con tod@s vosotr@s. Hasta entonces, solo me queda daros las gracias por haberme leído en todo este tiempo, y deciros una última cosa: no limitéis vuestra creatividad, y jamás os bloqueéis delante de esa enorme página en blanco (siempre por escribir) que es la vida.

En resumen: nunca dejéis de soñar.

¿Cómo se dirige a un actor?

Ésta es una entrada que llevaba mucho tiempo queriendo escribir, pero por mil razones (trabajo, proyectos, falta de tiempo y/o de inspiración...) la he ido procrastinando. Hasta hoy.

En cada rodaje de ficción que llevo a cabo, acabo aprendiendo algo nuevo. Y es que trabajar con actores, ante todo, es trabajar con personas.

Sí, sé que parece una obviedad, pero he visto de todo en cuanto a directores/as se refiere. ¿Conocéis la frase "Los actores deben ser tratados como ganado", de Alfred Hitchcock? Os sorprenderíais de la cantidad de cineastas cuyas obras mueren porque son incapaces de comunicarse y de trabajar con personas, y porque no prestan la debida atención a algo tan importante como la dirección de actores.

Los actores no son máquinas. No pueden saber lo que el director espera si no se les dan las instrucciones adecuadas a su debido tiempo. Y no solo eso: el director puede decir lo que quiere, gritar órdenes a diestro y siniestro... Pero si no logra conectar con las necesidades de cada actor, trabajar individualmente con cada uno y, sobre todo, ser muy proactivo y dejar su ego a un lado, no habrá manera de que el director logre lo que busca: simplemente, no funcionará.

Particularmente, a lo largo de los años que llevo trabajando con actores e interpretando yo mismo, me he encontrado con distintos perfiles en ese aspecto. Estos son algunos de dichos perfiles; cada uno representa una manera distinta de trabajar, con sus particularidades, y hay que tener en cuenta los siguientes elementos si queremos trabajar a gusto con esa persona y ayudarla a obtener la mejor interpretación que pueda ofrecer:

• Novatos: Dentro de esta categoría, no solo entrarían los actores que acaban de comenzar, sino también todos aquellos que pertenezcan al sector amateur o tengan poca o ninguna formación. Por lo general, suelen tener muy buenas intenciones y ponerle muchas ganas, pero no se les puede ni se les debe dirigir igual que a un intérprete veterano o con mucha formación. ¿Por qué? Básicamente, porque ese tipo de instrucciones suelen resultarles demasiado complejas: no se puede jugar a dirigirles pidiéndoles "ahora hazlo más pequeño", por así decirlo, sino que hay que explicarles las cosas mucho más claras y a un nivel más terrenal, sin vaguedades. Esto no quiere decir que den peor resultado, ni mucho menos: ofrecen un tipo de verdad muy distinto, menos técnica y más sincera, y si sabes cómo tratarles pueden dar excelentes resultados. El último ejemplo de esto lo he encontrado dirigiendo a la gran Nancy Laffita en "Dejando Huella (Leaving Traces)": pese a que tenía poca experiencia dramática y venía con muchas dudas, entre ambos trabajamos de manera muy cercana y así fue como logramos una gran interpretación por su parte.

• Perfeccionistas: Este tipo de actor controla, o busca controlar absolutamente todos los aspectos de la producción que está rodando: no solo quiere milimetrar cada aspecto de su acting, sino que también suele permitirse pedir al director rodar más tomas si siente que no ha quedado como él esperaba, y supervisar los planos rodados e incluso escuchar los audios. Suelen tener bastante formación y/o muchas tablas, y están curtidos; por tanto, debido a su experiencia y a su perfeccionismo, a veces les resulta difícil confiar al 100% en el criterio del equipo que lleva a cabo la producción. Por tanto, hay que encontrar un equilibrio entre firmeza (sobre todo, para que el rodaje se agilice y llegue a cumplirse en el tiempo acordado) y flexibilidad: rodar con este tipo de actor no es agradable si te cierras en banda y te comportas como un tirano, pero si aprendes a escucharles, les permites que te digan cuándo creen que algo funciona o no, y trabajas codo a codo con ellos, los resultados pueden ser maravillosos.

• Herméticos: En este caso, es muy difícil saber cómo se sienten, cuál es su forma de trabajar, si están a gusto en el rodaje o si tienen ganas de acabar cuanto antes... Por una razón o por otra, les cuesta horrores expresarse y compartir su estado interno. Trabajar con alguien así, más aún en algo tan emocional e interno como la interpretación, es muy difícil: hay que hacer el doble de esfuerzo a nivel comunicativo, tener mucha paciencia y ser observador. ¡No se trata tanto de lo que te digan o te dejen de decir, sino de confiar en tu instinto y ser persistente!

• Nerviosos: Algunos actores y actrices, bien por falta de experiencia, carencia de formación/tablas, o bien por complejos propios, llegan al set de rodaje temblando como un flan. Por lo general, se trata de personas que se presionan a sí mismas por el resultado que obtendrán a través de su trabajo: ¡no hay mejor asesino de la creatividad que las presiones internas! Por tanto, la mejor solución es obligarles a jugar, a crear y a dejar de concentrarse tanto en lo que puede salir mal. Para ello, se puede recurrir a una herramienta tan rudimentaria pero útil como es decirles que hagan el acting lo peor que puedan: no solo se suelen relajar y les alivia la presión del momento, ¡sino que el peor acting que hagan tendrá, probablemente, más verdad que cualquier interpretación atropellada y limitada que ofrezcan inicialmente por sus nervios! A partir de ahí, una vez hayáis echado unas buenas risas, todo será más fluido y se puede empezar a crear con menos tensión. Maneras hay muchas, pero la clave siempre es conseguir que se relajen. A fin de cuentas, actuar es jugar, dar vida a algo.

En resumidas cuentas, todo se reduce a escuchar (escucha activa, cualquier otro modo de escucha no cuenta), y a no olvidar lo fundamental: que trabajar con actores es trabajar con personas. El trato humano y la cercanía son indispensables, a no ser que pretendas que se cierren en banda, que no entiendan lo que estás buscando, o que el rodaje se convierta en un infierno. A fin de cuentas, crear no es solo buscar un resultado: ¡se trata de hacer el proceso agradable y llevadero para todo el mundo, no solo para ti mismo!

¡Y seguimos adelante con "Dejando Huella (Leaving Traces)"!

Ah, dirigir cine... Ese oficio tan apasionante como frustrante. Sin embargo, el resultado siempre vale las dosis de sangre, sudor y esfuerzo que conlleva sacar adelante un film, independientemente de su duración y/o de sus recursos de producción.

Personalmente, uno de los mayores placeres que me da hacer cine es el de trabajar con actores. Siendo yo mismo (o al menos, eso se intenta) también actor, considero que nunca se tiene la suficiente delicadeza a la hora de dirigir al reparto que da vida a lo que está plasmado en el guión.

Y es que un buen reparto es capaz tanto de representar exactamente lo que has escrito (incluso sin ser conscientes de ello) como de aportar nuevos matices y enriquecer muchísimo tu creación.

¡Esto fue precisamente lo que ocurrió en las dos últimas jornadas de rodaje del cortometraje "Dejando Huella (Leaving Traces)"! Por un lado, tuve el inmenso placer de conocer y de trabajar con Nancy Laffita, una actriz que, aún teniendo relativamente poca experiencia en el medio, logró emocionar a todo el equipo con una interpretación fresca, sentida y muy humana.

Su trato amistoso (casi rozando la maternalidad) y su esfuerzo reforzaron totalmente mi idea de que ser un buen actor o una buena actriz no es algo que surja a través de la formación, si no gracias a una gran calidad humana, a un sentido de la responsabilidad hacia cada trabajo al que das vida y, sobre todo, a no ponerte límites sobre lo que puedes y lo que no puedes hacer, si no simplemente dejarte llevar, poner tu cuerpo y tus emociones al servicio de la historia y sobre todo jugar.

Por otro lado, volvimos a contar con Alí Hamidou para rodar unas escenas directamente relacionadas con las secuencias de Nancy Laffita. En esta sesión de rodaje, pude trabajar con mucha más calma y detallismo de lo habitual gracias a un horario muy flexible. Esto me permitió implicar mucho más a Alí en la creación de su acting, cuidar todos los detalles al máximo (desde la iluminación hasta los encuadres pasando por el maquillaje) y, lo que es mejor, ofrecer a Alí la posibilidad de supervisar su propio trabajo durante el rodaje.

Cada actor/actriz es un mundo, y cuando se trabaja con alguien tan perfeccionista es importante dejar el ego de director a un lado y aprender de la mano de esa persona. A fin de cuentas, así es como se mejora la relación director/actor, y se permite al intérprete que, supervisando su propio trabajo, aporte nuevos detalles, corrija aspectos de los que solamente él puede darse cuenta y se sienta más tranquilo con su labor.

Aunque gestionar el aspecto de producción de este cortometraje está siendo una pesadilla (una pesadilla compartida, por suerte, con un gran equipo de producción al que le estoy inmensamente agradecido), todo cobra sentido cuando veo la calidad del material rodado y cuando me paro a pensar en el gran trabajo de todo el equipo técnico y artístico. ¡Ahora nos queda concluir el rodaje, y lo haremos a lo grande!

Distribución digital y la era del 4K

El cine ya no es lo que era. Y no pasa nada. No voy a usar la llegada del formato digital como un argumento derrotista, pese a que hay motivos para ello: empresas míticas que han tenido que cerrar sus puertas, un cambio drástico en los modelos de creación y distribución de contenidos, obras cuya conservación en su formato original corre un grave peligro... Todavía estamos en un momento de transición entre el presumible final de la era analógica y el comienzo radiante de la era digital.

Por más que algun@s insistan en que ya nos encontramos en la era digital, ésta solamente llegará cuando todos, desde los pequeños creadores hasta las grandes majors, pasando por las distribuidoras y por los exhibidores, hayan abandonado los formatos analógicos y se hayan pasado a un modelo de creación, venta y exhibición totalmente digitalizado. En otras palabras: cuando ya no quede ningún cruzado que defienda a capa y espada lo analógico frente a lo digital.

Hablando estrictamente sobre cine, cierto es que el digital carece de ese elemento tan romántico que envuelve el cine analógico de toda la vida. Lo que para algunos es un engorro (recarga constante de carretes, costes de rodaje elevados, limitaciones a la hora de rodar tomas...) para otros es una magia que se está perdiendo con el paso del tiempo. Yo, seguramente por cuestiones generacionales, me posiciono claramente a favor del digital, pero comprendo perfectamente la postura de quienes prefieren lo analógico por su valor sentimental.



De cualquier forma, los nuevos tiempos están llegando para quedarse, y la realidad es que el celuloide está muriendo. Quien no lo acepte formará parte de la resistencia, pero acabará pereciendo. Y desde luego no recibirá ningún apoyo de las grandes compañías, interesadas en hacer la transición al digital lo antes posible y poder rentabilizar cuanto antes esa nueva forma de producción. Un ejemplo de esto es Warner Bros, que anunció recientemente el final de su distribución de copias en formato 35mm:

¿Y en qué lugar quedará la exhibición cinematográfica de toda la vida? Probablemente, en un lugar reservado para nostálgicos, un hermoso lugar en el que experiencias como Phenomena satisfarán a aquellos que quieran disfrutar en las mejores condiciones de clásicos del séptimo arte en 35 gloriosos milímetros. Dicho de otro modo: la exhibición cinematográfica clásica pasará a ser, si no lo es ya, un placer para sibaritas y un acto social.

Por otro lado, el futuro (si no ocurre nada extraordinario) se va a basar presumiblemente en contenidos producidos, rodados y exhibidos de forma completamente digital. A fin de cuentas, lo que el digital ha traído, por mucho que a algunos pueda no gustarles, es la democratización del cine. Pero no me extenderé mucho sobre ese apartado: ya hablé de ello en otra entrada anterior.

Aquí, me gustaría hablar sobre las posibilidades que ofrecerá el digital en un futuro no muy lejano. Y todas acaban pasando por el 4K (resolución 3840x2160). Volviendo a la distribución digital de contenidos audiovisuales, huelga decir que servicios de distribución digital como Netflix funcionan con gran rentabilidad en Estados Unidos (llegando al punto de producir sus propios contenidos online, como la enorme serie "House of Cards").

Aquí en España, las cifras de recaudación en salas de cine suelen ser relativamente bajas salvo por pelotazos ocasionales (como el taquillazo patrio "Ocho apellidos vascos"), y las descargas digitales gratuitas son el pan de cada día. Además, la distribución en salas comienza a ser muy poco rentable: impuestos altísimos, enormes costes de distribución, subvenciones cada vez más escasas, precios de entrada carísimos, un público cuyos gustos y hábitos están cambiando... Por otro lado, pese a que Netflix todavía no se anima a venir a España por diversas razones, tenemos alternativas en funcionamiento como Wuaki, Filmin o Yomvi, de modo que vamos bien servidos en cuanto a distribución digital comercializada.

¿Y cómo encaja el 4K dentro de todo esto? Fácil: es la resolución del futuro, la que tarde o temprano desbancará al Full HD. Dado que tanto las cámaras de vídeo como los monitores 4K comienzan a abaratarse a marchas forzadas, y que en plataformas como YouTube empiezan a proliferar vídeos a esa resolución, no sería de extrañar que la distribución en 4K acabe siendo habitual, tanto para contenidos gratuitos como para contenidos de pago. Es decir: es probable que en un futuro acabemos viendo películas, series, webseries y/o cortometrajes en 4K a través de nuestras smart TVs, proyectores, monitores, tablets y móviles.

Para finalizar este artículo, me gustaría remitiros a una de las entradas más interesantes que he leído últimamente: la realización del videoclip "Sugarwood" de Gisela, co-dirigido por Pol Turrents. ¡Echadle un vistazo!

Dejando Huella (Leaving Traces) - ¡Segundo fin de semana de rodaje!

¡Segundo fin de semana de rodaje superado! Y no con pocos quebraderos de cabeza, desde luego... ¡Tuvimos de todo, desde las dificultades que plantea por sí mismo rodar en una Comisaría de Policía hasta las inclemencias del tiempo que padecimos el sábado 24 de mayo!

Cabe matizar, eso sí, que capeamos el temporal con muchísimo aplomo y que logramos hacer frente a todo lo que nos vino encima, así como al apretadísimo y complicado planning que debíamos cumplir. En gran medida, fue gracias al impecable trabajo que realizó tanto el equipo artístico como el equipo técnico del cortometraje, pero también hay que reconocer que el gran apoyo que nos han brindado instituciones como la Guardia Urbana de Tarragona, el Ayuntamiento de Tarragona y la Tarragona Film Office resultó clave a la hora de hacer más sencilla nuestra labor.

Muchas localizaciones distintas (desde la Comisaría de la Guardia Urbana de Tarragona hasta todo tipo de exteriores), cambios de vestuario y arreglos de maquillaje constantes, ensayos y más ensayos... Rodar un cortometraje de bajo presupuesto siempre es una odisea, y surgen muchísimos problemas, ¡y más todavía cuando estás tan loco como para escribir una historia tan grande, tan fragmentada y tan complicada de llevar a cabo en la práctica! 

Por eso mismo, doy las gracias a todos los colaboradores que están haciendo posible este sueño, desde mi infalible equipo hasta las instituciones, locales, negocios y particulares que confían en que vale la pena apostar por nuestro trabajo. ¡Millones de gracias por acercar "Dejando Huella (Leaving Traces)" a ser una preciosa realidad!

Dejando Huella (Leaving Traces) - Resumen del primer rodaje

¡Muy buenas!

Esta vez, voy a utilizar mi blog para compartir con vosotr@s una experiencia que está siendo durísima a nivel de producción (para qué negarlo), pero sobre todo muy gratificante en cuanto a ambiente en los rodajes, a implicación por parte del equipo y a nivel de resultado obtenido.

Estoy hablando del rodaje de mi nuevo cortometraje como director, guionista y productor: "Dejando Huella (Leaving Traces)". ¡Sí, sí, ese cortometraje para el que os di tanto el coñazo con nuestra campaña de crowdfunding! Y es que el pasado fin de semana logramos algo que parecía imposible: dar comienzo al rodaje, tras una enorme sucesión de infortunios y de acontecimientos que cambiaron totalmente el planning que habíamos creado.

Y os puedo decir una cosa, sin temor a equivocarme: ¡el equipo está haciendo posible que vuestra confianza depositada en el proyecto valga totalmente la pena! Las escenas que hemos rodado en el Hospital Universitari Sant Joan de Reus (gracias a la confianza del Grup Sagessa) son impresionantes tanto a nivel interpretativo como visual, y ver convertido en imágenes y sonido el guión que escribí ya hace muchos meses, así como verlo dotado de tanta vida, me da alas y me empuja a seguir luchando para que este proyecto salga adelante pese a todas las dificultades logísticas que nos están poniendo a prueba.

Además, ha sido mi primera experiencia trabajando con pequeños actores, ¡y se comportaron de lujo! Sus escenas han quedado genial y fue muy agradable trabajar con ellos, así que también hemos podido superar juntos este reto que se sumaba a las complejidades técnicas de las instalaciones en las que rodamos. ¡No hay nada como trabajar con un gran equipo, os lo aseguro!

Este próximo fin de semana rodaremos en la Comisaría de la Guardia Urbana de Tarragona, gracias al apoyo de la Guardia Urbana de Tarragona, el Ayuntamiento de Tarragona y la Tarragona Film Office. Además, rodaremos escenas importantes en escenarios exteriores e interiores de la ciudad. ¡La semana que viene escribiré una breve crónica sobre ese rodaje! ¡Hasta entonces!

¿Y si Tarantino hubiese dirigido "Star Wars"?

Bien sabido es que por las manos de Quentin Tarantino pasaron películas tan dispares como "Casino Royale" (que estuvo a punto de dirigir pero que acabó cayendo en manos de Martin Campbell), "The Man from U.N.C.L.E." (que actualmente está dirigiendo Guy Ritchie, el sucesor espiritual británico de Tarantino) e incluso "Luke Cage". 

Sin embargo, lo que nunca hemos tenido oportunidad de imaginar es qué hubiera pasado si el cineasta de Knoxville hubiese dirigido "Star Wars". Hasta ahora...

Gracias al youtuber Bobby Burns (autor, entre otros vídeos, de "If Frozen was a horror movie"), tenemos la posibilidad de ver un trailer de la película de George Lucas editado a lo Tarantino. En otras palabras: sangre (aunque no tanta como sería esperable), música retro, mucha diversión y Samuel L. Jackson.

¡A disfrutarlo!

¡A pinchar condones se ha dicho!

4 de mayo. Sí, ese día. Ese día que esperamos con tanta ansia. El mítico día. Y es que nunca es suficiente cuando se trata de celebrar el día de "Star Wars". ¡Ya sabéis: el día en que los fans celebran su culto a la saga de George Lucas ("May the Fourth be with you...")! Ah, sí, y también es el día de la madre.

Ahora en serio, la marca Desigual (famosa, entre otras cosas, por vender ropa gracias a anuncios con mujeres sin ropa) ha vuelto a revolucionar las redes sociales y los medios a causa de su nueva campaña,  #tudecides, dedicada al día de la madre. Sobran las descripciones cuando puedo limitarme a compartir el susodicho anuncio con vosotr@s:

Las reacciones no se han hecho esperar: desde encendidos comentarios en Twitter (aquí tenéis el enlace para ver algunos) hasta la posibilidad de una petición de retirada del anuncio por parte de la Generalitat de Catalunya. Parece ser que las opiniones acerca del spot van desde quienes se lo toman con humor y se burlan de la campaña, hasta quienes opinan que es nociva para la sociedad, que proyecta una imagen horrible sobre la liberación femenina, que expone a la juventud a imitar el comportamiento de la protagonista... Vamos, que se ha montado un cacao de agárrate y no te menees.

¿Mi opinión? Desigual sabe muy bien lo que hace. No son tontos, o al menos, sus creativos publicitarios no lo son. Puede que no estéis de acuerdo con este enfoque, pero ellos recurren a la socorrida estrategia de Oscar Wilde: "Que hablen mal de uno es espantoso. Pero hay algo peor: que no hablen". Vamos, que están jugando al mismo juego que otras marcas que también usan la provocación mediática para posicionarse en el mercado.



No digo que les salga genial (aunque, vista la repercusión de todas sus polémicas campañas, no lo harán tan mal), porque al fin y al cabo, que intenten imitar a United Colors of Benetton o a American Apparel les hace palidecer de la misma forma que cuando los Premios Goya intentan imitar a los Oscars:



Ah, respecto a lo que se comenta sobre la liberación femenina, sobre la toma de decisiones sobre la maternidad al margen de los hombres, bla, bla, bla... ¿Realmente vais a tomar una campaña publicitaria como modelo de conducta? Si una mujer tiene que consultar a su pareja para ser madre, ser madre de forma precipitada e irresponsable, o la posibilidad de contraer enfermedades de transmisión sexual (algo que esta campaña nunca pone sobre la mesa) no son temas cuya solución vayamos a encontrar en una pieza comercial de apenas 30 segundos, creo yo.

Requieren muchas conversaciones, difusión, una educación adecuada, razonamiento... Y son cuestiones que pueden acarrear graves consecuencias, como las ya mencionadas ETS, embarazos no deseados, abandonos infantiles... Quien crea que una campaña publicitaria de Desigual le va a dar respuestas, se engaña a si mismo: son vendedores, no agentes sociales, y lo que buscan es vender, no concienciar. No estoy en absoluto de acuerdo con la campaña, pero por la forma como se ha reaccionado diríase que tenemos la piel muy fina ante lo que simplemente es un ejercicio de dudoso gusto, y de esa piel fina se aprovecha cada día la marca Desigual. Como se dice por Internet: "Don't feed the trolls".

Para cerrar el post, un poco de humor (intencionado) parodiando la campaña de Desigual y evidenciando de forma bastante mejor que yo cuáles son los contras de emular a la chica del anuncio. Por si alguien todavía estaba pensando en hacerlo, vaya.

"Only God Forgives" - Una experiencia hipnótica y absorbente

La última propuesta del cineasta Nicolas Winding Refn, a la espera de nuevos proyectos, fue acogida de forma muy dispar. Y es que el film "Only God Forgives" generó apreciación y rechazo, cosechando críticas muy positivas al mismo tiempo que reseñas que la tachaban de basura pretenciosa, ultraviolenta y misógina.

Personalmente, puedo entender por qué. Después del triunfo a nivel de crítica y de público que supuso "Drive", se crearon muchas expectativas hacia "Only God Forgives". Lo que más se esperaba era que Winding Refn jugara sobre seguro, que su siguiente creación fuese un regreso a la fórmula que tan bien le funcionó a la dupla Refn-Gosling. Sin embargo, lo que acabó surgiendo de esta nueva colaboración es algo completamente distinto.

"Only God Forgives" es un regreso al cine más puro y quintaesencial de Winding Refn, y desde luego no es un intento de vivir de las rentas dejadas por "Drive". La prueba: pese a que fue (erróneamente) publicitada como una cinta de acción con Ryan Gosling como protagonista, esta película reduce a Gosling a un mero secundario de peso que no le permite lucirse a nivel interpretativo. No obstante, los verdaderos protagonistas de la función son la grandiosa actriz Kristin Scott Thomas y la sorpresa de la función, el veterano actor Vithaya Pansringarm; ambos se enzarzan en un cruento duelo entre el Diablo hecho pérfida mujer y Dios convertido en un policía justiciero armado con una espada.

Sí, como habéis leído bien: la película no va de combates cuerpo a cuerpo, ni es en absoluto convencional. Es un film que me ha provocado sensaciones encontradas durante un primer visionado, y que me ha dejado en shock y reflexionando sobre ella durante días, hasta que he asimilado qué narices pretendía contarme. ¿Sabéis con qué otras películas me pasó esto? Con "The Fountain" de Darren Aronofsky y con "The Village" de M. Night Shyamalan, siendo ambas grandes películas que fueron terriblemente promocionadas en su momento y que fueron acogidas con mayor rechazo que apreciación.

La mejor forma de resumir "Only God Forgives" es como un cuento que empieza donde tiene que empezar y que acaba exactamente donde tiene que acabar; se trata de un cuento bizarro con tantas dosis de violencia rozando el gore como delicados pasajes de alivio en forma de escenas con gran carga emocional e incluso momentos musicales (en forma de karaoke, por extraño que parezca al leerlo). En conjunto, cuesta asimilarla, pero si se hace el esfuerzo y se rasca en la superficie, lo que queda es un precioso film sobre la justicia divina frente a la justicia humana, sobre el peso de las acciones pasadas, sobre el Complejo de Edipo y sobre los impulsos autodestructivos del ser humano.

Y es que la mejor clave para entender este film reside en los títulos de créditos finales: "To Alejandro Jodorowsky" es la dedicatoria que realiza Nicolas Winding Refn en el desenlace. ¡Nada más apropiado para que el espectador comprenda la clase de película que ha visto! Pero estamos hablando de un Jodorowsky modernizado, bastante más accesible y comedido, con una preciosa fotografía de Larry Smith, un ritmo narrativo hipnótico (que por momentos recuerda al cine de David Lynch) y uno de los combates cuerpo a cuerpo más contundentes rodados en 2013.

Reconozco que "Only God Forgives" no es para todo el mundo: puede exasperar a algunos por su ritmo narrativo, y puede que otros la tachen de fallida o de pretenciosa. Sin embargo, es una experiencia que obliga al espectador a participar, que provoca sensaciones encontradas y que fomenta que el público tenga que pensar y atar cabos incluso después de finalizar la película. Viniendo de un equipo creativo que podía jugar sobre seguro, lo cierto es que este film me parece un movimiento muy valiente por su parte y una película rodada con un par de cojones. ¡Solo por eso, la calificaría como una película digna de ser vista, sentida y reflexionada!

Lo Mejor: Lo que cuenta, lo que no cuenta de forma explícita, su tono de cuento, la valentía que transmite, su candidatura a ser un film de culto en el futuro, el gran trabajo de Scott Thomas y de Pansringarm, la fotografía de Larry Smith.

Lo Peor: A veces se le nota cierta pedantería, pasajes aislados que son algo arrítmicos, un Ryan Gosling completamente desaprovechado y pétreo, y que será muy poco apreciada por el público general.

¡Impresionante teaser de "Gone Girl", de David Fincher!

Siempre que creo que nada puede sorprenderme en el cine, llega un gran director y me demuestra cuánto me queda por aprender todavía, y cuánta magia le queda por demostrar al séptimo arte.

Esto me suele ocurrir con cineastas de la talla de Christopher Nolan, Darren Aronofsky (aunque todavía tengo pendiente comprobar si "Noah" es un patinazo suyo o no), Michael Haneke, Nicolas Winding Refn, Steve McQueen... ¡Y, por supuesto, con David Fincher, un director tan exigente y tiránico en los sets de rodaje (que se lo pregunten a Robert Downey Jr.) como apasionado, creativo y brillante!

En este caso, el que produjera la gran serie "House of Cards", y nos ofreciera peliculones de la talla de "Se7en", "Fight Club" y "Zodiac" o cintas tan interesantes como "The Curious Case of Benjamin Button" (sí, me gustó mucho), "The Social Network" y "The Girl with the Dragon Tattoo" vuelve a la carga con el teaser trailer de "Gone Girl".

"Gone Girl" es la adaptación cinematográfica de la novela de Gyllian Flynn, que ha protagonizado Ben Affleck (aparentemente, dando vida a un protagonista con mucho peso emocional) junto con Rosamund Pike, Neil Patrick Harris y Tyler Perry. Para este teaser trailer, Fincher ha tomado la arriesgada pero muy eficaz decisión de desvelar lo justo y necesario sobre la trama, dejando que el peso lo lleven las imágenes y sobretodo la música: ¡nada menos que "She", de Elvis Costello!

PD: La banda sonora será creada por Trent Reznor y Atticus Ross, de Nine Inch Nails. ¡Por si faltaban argumentos para hypear al público!

Captain America: The Winter Soldier - Crítica

Reconozco que me eché las manos a la cabeza cuando Marvel Studios anunció que los Hermanos Russo dirigirían la nueva entrega de "Captain America". A fin de cuentas, Joe Johnston hizo un gran trabajo con la primera entrega, que era un revival pulp y aventurero de lo más notable, y tenía mucha más experiencia previa en cine de acción que los Russo (autores, además, de ese terrible intento de comedia que fue "You, me and Dupree").

Sin embargo, habiendo visto la película, puedo decir sin lugar a dudas que han hecho un gran trabajo y que han sido una elección muy acertada por parte del productor Kevin Feige (elección que defendió citando que los Russo fueron también directores de "Welcome to Collinwood", del piloto de la genial serie "Arrested Development" y de algunos episodios de "Community"). A fin de cuentas, esta entrega (basada en el arco  narrativo creado por Brubaker) es mucho más oscura, ambigua y frenética que la primera, en la que los valores estaban más claros y donde las fronteras entre "buenos y malos" era mucho menos difusa.

Aquí, el Capitán América se ve obligado a poner en duda sus firmes valores para hacer frente a su "Homeland" particular: una conspiración a gran escala, urdida por un enemigo en las sombras. De esta manera, tenemos la que es, desde ya, la tercera mejor película de Marvel Studios (junto con "The Avengers" y "Iron Man"), un thriller de acción con gran cantidad de giros y una atmósfera cargada de tensión y de desconfianza. Dirigida con buen pulso por los Hermanos Russo (pese a algún que otro error en las escenas de acción, que demuestra su relativa inexperiencia en este campo), "Captain America: The Winter Soldier" es ante todo un movimiento valiente en la Fase 2 de Marvel Studios; y no lo es solo por su desenlace (que plantea un posible escenario completamente distinto para "The Avengers: Age of Ultron"), sino por el enorme cambio de registro que supone hacia anteriores filmes pergeñados por este estudio.

Reseñar también el gran trabajo interpretativo de Chris Evans, más cómodo que nunca en su rol como Steve Rogers/Capitán América, así como el soporte que recibe de sus compañeros Scarlett Johansson (más creíble que nunca como Viuda Negra), Samuel L. Jackson, Anthony Mackie, Sebastian Stan y Robert Redford. Entre todos/as, dan vida a un guión sólido y bien armado, obra de Christopher Markus y Stephen McFeely. Además, también hay que destacar lo logradas que están las coreografías de combate cuerpo a cuerpo, así como una dirección que permite seguir en todo momento qué está pasando durante las set pieces del film y unos efectos digitales muy creíbles.

Como pegas, matizaría que en algunos momentos la película se permite licencias excesivas hacia los poderes del Capitán América (¡Es un Super Soldado, no un Semidios!), algunas arritmias que estropean la fluidez narrativa de la primera mitad, y que la banda sonora de Henry Jackman es floja y muy poco llamativa. ¡Nada que ver con el enorme trabajo que hizo Alan Silvestri en la primera entrega y en "The Avengers", creando un maravilloso tema para Capitán América que aquí solo aparece tímidamente durante una escena inicial!

Si tenéis tiempo y dinero, y queréis ir a ver una cinta palomitera hecha con cerebro y bastantes dosis de cariño hacia el material que adapta, os recomiendo encarecidamente que vayáis a ver "Captain America: The Winter Soldier". Los más cinéfilos y quienes conozcan la historia de los cómics se encontrarán con una muy buena adaptación repleta de guiños, y los espectadores no iniciados tendrán la oportunidad de ver un blockbuster que, pese a sus pequeños fallos, es mucho más respetuoso hacia el espectador de lo que normalmente se puede ver en salas.

Lo mejor: Lo valiente que resulta en conjunto, su aura de thriller setentero, la química entre Chris Evans y Scarlett Johansson, sus giros narrativos, el buen trabajo realizado en las escenas de acción.

Lo peor: La banda sonora, algunos bajones de ritmo puntuales, pequeñas fantasmadas que disminuyen la gran calidad del conjunto.

Matar a Hitler y ganar visitas por ello

Viralidad, ese Santo Grial que todos queremos obtener y cuyo secreto queremos descubrir.

Algun@s lo logran, y otros no. No hay una fórmula mágica que nos garantice que nuestro vídeo va a viralizarse; tanto puede viralizarse un vídeo casero sobre gatitos o bebés como una pieza audiovisual trabajadísima con un gran número de efectos especiales y/o una idea muy sorprendente.

Hoy toca hablar sobre el último fenómeno viral de la Red: el spot no oficial "Adolf", para la marca de automóviles Mercedes-Benz. Se trata de un vídeo publicitario realizado por alumnos de la Escuela de Cine de Baden-Württemberg, en el que se muestra una "peculiar" aplicación a la detección de peligros de los automóviles Mercedes-Benz; sin embargo, a la casa Daimler no le ha hecho demasiada gracia el vídeo en cuestión...

En mi caso, me ha parecido un trabajo con una cinematografía espectacular, con una puesta en escena muy trabajada y con un concepto atrevido que me ha hecho reír un buen rato (reconozco que el humor negro me pierde, a veces). Sin embargo, de aquí se puede extraer una pregunta: ¿vale todo a la hora de viralizar un vídeo en la Red?

A fin de cuentas, se está tocando un tema con el que mucha gente siente una gran sensibilidad a días de hoy: el nacionalsocialismo alemán y los devastadores efectos que conllevó el gobierno de Adolf Hitler. Además, el gag del anuncio gira en torno a la muerte de un niño. Vale, se convertirá en un monstruo... ¡Pero en el spot se le muestra como un niño jugando inocentemente con una cometa! Además, su muerte es bastante grotesca y brutal. Poniendo todos estos factores sobre la balanza, o bien se genera una carcajada de incredulidad (mi caso), o bien se genera una reacción de rechazo absoluto ante lo que se ha visto. Lo que es indudable es una cosa: los creadores del vídeo van a ganar visitas y a lograr que sea compartido por las redes sociales, o al menos, que se hable de él.

La búsqueda de la viralidad conlleva, de forma inexorable, la pregunta del millón: "¿Es cierto que no existe la mala publicidad, y que lo único importante es que hablen de ti, aunque sea mal?". Para que reflexionéis sobre qué elementos funcionan a la hora de generar viralidad en Internet y, de paso, para que recordéis algunos clásicos, os dejo con un recopilatorio de algunos vídeos que se expandieron como la pólvora en su día:

En breves... ¡Nuevo videoclip: "Pine Needles"!

¡Muy buenas! Para inaugurar el mes de abril a lo grande, me siento encantado de anunciaros que esta semana publicaremos el videoclip "Pine Needles", perteneciente al maravilloso tema compuesto e interpretado por la cantautora Laura Noah.

Por si no os suena el nombre Laura Noah, me gustaría mencionar/recordaros que tuve el inmenso placer de entrevistarla en su día para la sección "Talento de Tarragona" en este post. Más tarde, surgió una bonita relación profesional y de amistad que nos ha llevado a colaborar juntos en dos proyectos paralelos: el primero de ellos fue la canción "A Reason", que aparecerá durante los títulos de créditos finales del cortometraje "Dejando Huella (Leaving Traces)".

Y el segundo fue el videoclip "Pine Needles", un reto complejísimo a la hora de trasladar ese tema musical a imágenes en movimiento. Y es que la canción tiene un clima emocional muy concreto, muy intimista, y tanto para Miquel Viciana (co-director del videoclip, así como escenógrafo y director de arte) como para mi lo fundamental era que el vídeo no interfiriera al ritmo del tema; es decir, que el videoclip acompañara perfectamente y sumase a la canción, en lugar de restarle calidad ni ritmo.

Tres meses después, ¡podemos decir oficialmente habemus videoclip! Y todo gracias a la colaboración de grandes personas y artistas como Miquel, Alan Pardines, Aleix Caballero, Jonatan Jiménez, Fernando Rodríguez, Paco Cailà y Malou Plana, entre muchas otras personas. Ha sido un placer entregar todas mis energías a trabajar con este equipazo, así como a dar vida al videoclip junto con Miquel, y sobretodo, a honrar el gran trabajo musical de Laura Noah. 

¡Espero que os guste el resultado final, lo publicaré mañana miércoles 2 de abril!

La importancia del showreel

¡Hola de nuevo! En esta entrada, me gustaría hablaros de un apartado fundamental para cualquiera que quiera dedicarse al sector audiovisual en cualquiera de sus ramas (dirección, dirección de fotografía, montaje, posproducción...): el showreel, también conocido como bobina. Se trata de un portfolio con imágenes en movimiento, un resumen que condensa muestras de tus mejores trabajos audiovisuales en un solo vídeo.

Antes de entrar más en detalle en la materia, me gustaría compartir con vosotr@s mi showreel de 2014, a modo de ejemplo sobre lo que acabo de escribir. ¡Espero que lo disfrutéis!

Ya habiendo visto un showreel o bobina como ejemplo (el mío, básicamente), es importante añadir que este portfolio audiovisual es fundamental para todo aquel que quiera dedicarse a este sector. ¿Por qué? Porque no solo aglutina y engloba tus trabajos anteriores, sino también todo aquello que has sido, eres y serás capaz de hacer. Y además, hay que recordar que las productoras no suelen pararse a ver todos los enlaces que les envíes o a leer tu CV (es lo que tiene ir hasta arriba de trabajo, y que miles de candidatos te envíen sus referencias); por tanto, tener un vídeo breve que impacte y que acredite tu trabajo es fundamental.

Por último, me gustaría compartir con vosotr@s una serie de consejos por si os estáis planteando crear vuestro propio showreel audiovisual. Por supuesto, todo es debatible; si discrepáis o queréis aportar algo, os animo a que dejéis vuestro comentario escrito (siempre desde el respeto, claro). Mientras, ahí van esos consejillos:

• Que no sea excesivamente largo: Un buen amigo mío me comentó que, si quieres llamar la atención los productores, "tienes que hacerles ver". Pero imagina que cien personas más han tenido la misma idea que tú: enviarles su showreel con la esperanza de que capte su atención. Eso equivale a 101 bobinas que esos productores recibirán en apenas un día. Por eso, lo mejor es que sea breve y concisa; de esa manera, su visionado será más tentador que el de una bobina que dure cinco minutos (por muy trabajada que esté).

• Que sea variado: Puede parecer una perogrullada, pero he visto showreels que prácticamente eran un cortometraje en sí mismos. Habitualmente, eso suele ocurrir más por falta de material filmado o de variedad en dicho material filmado, más que por una decisión consciente y buscada. Por tanto, es un acto prudente esperar a tener suficiente material filmado y a que éste sea lo bastante variado como para sostener un vídeo de aproximadamente dos o tres minutos. Creedme, ¡los recursos se acaban enseguida en cuanto comienzas a editar, y es muy fácil acabar repitiendo planos o escenas!

• Evita usar materiales protegidos: Un "error" (por así llamarlo) habitual en las bobinas audiovisuales es encontrar canciones protegidas. Por mucho que puedan gustarte ciertas canciones, utilizar "Roar" de Katy Perry en tu showreel no solo puede desacreditarte o restarte puntos, sino que te la puedes jugar a la hora de monetizar tu vídeo o que éste no sea eliminado por infracción de copyright. ¡Y más ahora que incluso Vimeo se va a poner las pilas a la hora de eliminar vídeos que infrinjan las leyes de propiedad intelectual!

Cineastas españoles por el mundo: EEUU

Esta es la primera entrada de lo que espero que sea una pequeña serie temática, acerca de cineastas españoles que, por distintas razones, tienen que trabajar o financiar sus proyectos en el extranjero. 

Por ahora, comienzo hablando de aquellos realizadores que han trabajado, están trabajando y/o trabajarán en Estados Unidos. Ojo, me refiero a Estados Unidos, no únicamente a Hollywood: entenderéis por qué cuando leáis la reseña de uno de los directores sobre los que voy a escribir en esta entrada.

Soy consciente de que hay muchos más cineastas españoles trabajando o produciendo proyectos en Estados Unidos, como por ejemplo Juan Carlos Fresnadillo (que co-produjo "Intruders" con Universal Pictures), Eugenio Mira ("Grand Piano"), Rodrigo Cortés ("Buried", "Red Lights"), los hermanos Pastor ("Carriers") o Juan Antonio Bayona ("Lo Imposible", "Penny Dreadful"), así como otros que seguramente me dejo en el tintero. Que nadie se sienta molesto: ¡si a alguien se le ocurre alguno que añadir a la lista, que lo haga en el apartado Comentarios!

Mientras, voy a analizar tres casos en particular, cada uno distinto y representativo de una forma de trabajar:

• Jaume Collet-Serra: Comenzaré hablando sobre Collet-Serra debido al reciente estreno de su última película, "Non-Stop", en nuestras carteleras. Comenzó su andadura con 18 años en Los Angeles, donde se forjó un nombre poco a poco y trabajó como editor durante un tiempo, siempre determinado a convertirse en cineasta. Con el tiempo, llamó la atención del productor Joel Silver (ése a quien debemos obras tan variopintas como "Lethal Weapon" o "The Matrix"), que le fichó para dirigir "House of Wax". ¿El resultado? Un slasher veraniego muy exitoso y, en mi opinión, una barrabasada muy divertida y disfrutable que incluso se permite lanzar guiños al espectador (Paris Hilton...) y transgredir alguna que otra norma del agotadísimo género de terror (recordad, en ese momento no existía "Cabin in the Woods"...). Desde entonces, trabaja en la industria del cine y se ha afincado definitivamente en Estados Unidos, habiendo pergeñado cintas entretenidas, intrigantes y muy logradas como "Orphan" o "Unknown". Además, ha fundado la productora Ombra Films junto a Juan Solá, con la que se dedican a apoyar a nuevos talentos: por ahora, han producido cintas como "Mindscape" de Jorge Dorado.

• David Victori: Si Collet-Serra representa el cine de presupuesto medio/alto, Victori se enmarcaría dentro del panorama de creación digital: además de haber trabajado como asistente personal de Bigas Luna durante cinco años y como guionista en películas como "Fill de Caín" de Jesús Monllaó (junto a Sergio Barrejón) y en "Segon Origen" (que actualmente está dirigiendo Carles Porta), destacó dirigiendo, escribiendo y editando cortometrajes como "Reacción" (protagonizado por Santi Millán). En 2012, su cortometraje "La Culpa" (una joyita a la que recomiendo echar un vistazo) ganó en el Your Film Festival de YouTube: a partir de ahí, fue fichado por Ridley Scott (¿De veras hace falta que os cite obras suyas?) y por el gran actor Michael Fassbender para llevar a cabo un proyecto audiovisual en EEUU. Desde entonces, Victori (a quien tengo por una persona muy cordial y por un currante nato) está trabajando intensamente en ese proyecto, luchando por sacarlo adelante.

• Daniel Zarandieta: Tenemos a Collet-Serra como cine de presupuesto medio/alto, y a Victori en el panorama digital; nos falta el cine indie, puro y duro. ¡Y aquí entra Zarandieta! El último director a quien cito en esta entrada es un buen amigo y compañero de profesión, a quien tengo el placer de conocer desde hace ya casi siete años (en mis primeros, literalmente, pinitos). Se trata de un cineasta sevillano en cuyas venas fluye séptimo arte en estado puro: de lo contrario, no se explica una actividad tan regular en cuanto a frecuencia y calidad; dentro de esa actividad, podemos encontrar la webserie de dos temporadas "Hasta el final" y cortometrajes como "12:26 - 12:31" o "Second Round". Podéis encontrar su magnífico largometraje "Encontrados en N.Y." a través de este enlace en Filmin. Actualmente, trabaja en su segundo largometraje, "Prevenidos", junto a la productora Sietecuerdas Films, pero de momento ya ha podido completar el primero a lo grande: a caballo entre España y Estados Unidos, y siempre con el buen cine por bandera.

Matizo: no estoy mostrando el hecho de viajar y trabajar en Estados Unidos como la única forma de hacer cine en España, ni mucho menos. Simplemente, es una forma más, igual de respetable que todos aquellos que se quedan en nuestras fronteras y batallan para sacar adelante sus obras, así como para llevarlas a la gran pantalla.

Quedaos con lo importante: entended esta serie como un pequeño homenaje a aquellos valientes que cogen la mochila y viajan para comerse el mundo. Leed este post sin prejuicios, y recordad: ¡que nada ni nadie, ni siquiera la distancia ni las fronteras, os quite las ganas de soñar!